Fecha: desde el 21 de junio de 2013
Artistas: Ibon Aranberri, Maria Thereza Alves, Jessica Diamond, Mariajosé Gallardo, Paloma Gámez, Curro González, Rogelio López Cuenca, Cristina Lucas, Priscilla Monge, Pedro Mora

Siguiendo la tradición del “arte en espacios públicos”, se presentan piezas escultóricas, intervenciones, instalaciones y pintura mural que han sido instaladas en diferentes espacios del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Se trata de una muestra compuesta por obras compradas, donadas o depositadas, junto a otras que ya pertenecían a la colección permanente del museo. Este proyecto va más allá del histórico parque o jardín escultórico (que sigue, por ejemplo, el bien conocido Museo Kröller-Müller de Holanda), para situarse más bien en la estela del Proyecto Escultórico de Münster, que tiene lugar en esta ciudad alemana cada diez años, basado en intervenciones específicas realizadas por artistas invitados para espacios concretos cargados habitualmente de diversos significantes. Otro de los objetivos de este conjunto es que el visitante conozca los amplios espacios exteriores del CAAC sin perder la perspectiva contemporánea del museo. El recorrido se extiende por las praderas, patios y espacios interiores del antiguo monasterio, huertas y jardines, algunos lugares insólitos y poco visitados habitualmente.

DOCUMENTACIÓN COMPLEMENTARIA

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PEDRO MORA
Bus Stop, 2001
Parada de autobús

Instalación. Acero inoxidable pulido, neón y cristal 212 x 359,5 x 210 cm
Obra restaurada con la colaboración de TUSSAM
PUERTA DE TIERRA

Pedro de Mora (Sevilla, 1961) es capaz de nutrirse de las sociedades que habita y desarrollar su lenguaje en torno a ellas. Su obra se mueve rápidamente de unas preocupaciones a otras, desplegando un trabajo difícilmente clasificable. No obstante, no sacrifica en este tránsito el componente visual de sus propuestas, poseyendo un estilo definido.

En Bus Stop intenta poner en cuestión los límites entre el arte y lo cotidiano al sacar su obra del espacio restringido del museo y llevarla al ámbito público urbano. Invierte de este modo la estrategia de Duchamp, quien introdujo en el museo objetos ajenos a él. Mora despoja al museo del arte, reinsertándolo en una trama viva de experiencias ordinarias con la idea de desarrollar una estética del siglo XXI en el ámbito de lo cívico y lo cotidiano. Esta obra altera el concepto clásico de monumento, ya que empleando materiales nobles propios de la escultura, crea un prototipo singular de mobiliario urbano para ser utilizado como lugar social para el descanso o el encuentro; convirtiendo al usuario en parte activa de la escultura.

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ROGELIO LÓPEZ CUENCA
Decret nº 1, 1992
Decreto nº 1

Acero, pintura y piedra
300 x 100 x 17 cm. c/u
PUERTA DE TIERRA – PUERTA DEL RÍO – JARDINES – PATIO DEL PADRE NUESTRO

La obra de López Cuenca (Nerja, Málaga, 1959) refleja su compromiso social, que representa mediante los juegos lingüísticos y la contraposición irónica de imágenes. La obra fue elegida por un jurado internacional para su exhibición en el marco del proyecto Arte Actual en los espacios públicos de la Exposición Universal de Sevilla. Decret nº 1 toma su nombre del “Decreto nº 1 para la democratización de las artes” (1918), publicado en la Gaceta de los Futuristas de Moscú donde, bajo el lema “todo el arte para todo el pueblo”, se promovía la disolución de la actividad artística en la vida cotidiana.

Compuesta por 24 elementos idénticos en formato y colores a los instalados con carácter informativo en el recinto de la Expo 92, fue colocada camuflándose entre la señalética institucional. Así, mediante textos en diferentes idiomas e iconos incomprensibles, López Cuenca trató de infiltrar su propio discurso dentro del oficial, provocando la confusión y el desconcierto del visitante. El proyecto fue censurado y retirado el día antes de la inauguración.

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CRISTINA LUCAS
Alicia, 2009

Instalación. Técnica mixta. Poliestireno y pintura
180 x 120 x 85 cm. (cara); 367 x 120 x 180 cm. (brazo)
PABELLÓN REAL

La artista Cristina Lucas (Jaén, 1973) inició su obra en el campo del happening y las acciones, pasando después a realizar instalaciones, fotografías, vídeos y dibujos.

Centrada en la crítica de género y de las estructuras culturales y de poder, utiliza la metáfora y la sátira para crear sensaciones ambiguas en el espectador, siempre desde un punto de vista feminista, aparentemente inocente.

Alicia representa una figura gigante cuyo rostro y brazo derecho escapan por las ventanas de una habitación donde parece haber quedado atrapada. La artista se inspira y reinterpreta el pasaje del libro de Lewis Carrol Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, en el que la protagonista, atraída por la curiosidad, come de un pastel con la palabra escrita “CÓMEME” y crece sin control, en este caso hasta que no cabe en la habitación y tiene que sacar un brazo por una ventana.

De esta forma nos trae la inquietante fantasía del conocido libro al espacio real de La Cartuja, aludiendo a la reclusión tanto física como psíquica de la mujer como forma de opresión, atrapada en el espacio de su casa.

Interactivo · En su sitio

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CURRO GONZÁLEZ
Como un monumento al artista, 2010

Bronce policromado sobre pedestal de acero cortén,
instalación audiovisual (sonido, grabación vídeo mediante
cámara de seguridad, monitor) 325 x 100 x 150 cm.
PASEO DE LAS JACARANDAS

Bajo la apariencia de un trabajo escultórico convencional, y con una lectura que incide en clave irónica en la controversia que desde el romanticismo viene desarrollándose en torno a la noción de artista, Curro González (Sevilla, 1960) ha ideado una instalación con elementos sonoros y visuales que interactúan con el público. En ella nos ofrece una versión del artista que, representado como hombre-orquesta se enfrenta a la “Puerta de la Fama”. Metáfora que recoge la idea de que su fin último es la consecución del éxito que garantice su paso a la posteridad.

No obstante, la situación inicial queda alterada cuando el público traspasa la puerta, siendo sorprendido por el sonido de una fanfarria, intercambiándose así los papeles en este juego de reconocimientos. Además, los visitantes son captados por una cámara situada entre los instrumentos musicales del artista-hombre-orquesta, pudiendo verse en un espacio adyacente y pasando a formar parte de la obra por un instante. De esta forma González crea un cruce de conceptos y de visiones entre el espectador y el artista.

Interactivo · ¿Conoces 'Como un monumento al artista'?

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MARIAJOSÉ GALLARDO
Ranking de peticiones marianas, 2013

Óleo y pan de oro sobre lienzo
Varias medidas
SACRISTÍA DE LA CAPILLA DE AFUERA

En esta obra exhibida en la antigua sacristía de la Capilla de Afuera, nos encontramos con 59 pinturas de pequeño formato que en conjunto forman una media luna en torno a una imagen de la Inmaculada del primer tercio del s. XVIII. Si nos acercamos a la pieza descubriremos que en cada pequeño cuadro aparece un fragmento de naturaleza o de cuerpo. Ubicados alrededor de la imagen religiosa como exvotos en una capilla de devoción, vemos estas peticiones marianas que mantienen la tradición en color y forma pero no en lenguaje pictórico.

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MARIA THEREZA ALVES
"When they come, flee", said my grandmother to my mother, 2014
"Cuando vengan, huye", le dijo mi abuela a mi madre

"When they come, flee", said my mother to me, 2014
"Cuando vengan, huye", me dijo mi madre a mi

Esculturas de bronce
40 x 24 x 24 cm y 40 x 19 x 17 cm
OMBÚ

Las obras de Maria Thereza Alves (São Paulo, Brasil,1961) apelan directamente al contexto del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Ambas esculturas fueron realizadas a partir de huesos de una fruta común en Brasil, la yaca (Artocarpus heterophyllus: también conocida como "árbol del pan", "panapén" y jackfruit, en inglés), tras haber sido limpiados y "esculpidos" por la artista, en su boca.

La yaca (originaria de la península de Malaca, en Asia) fue llevada por los portugueses a Brasil con la intención de cultivar un alimento barato y energético -su sabor está a medio camino entre el mango y la naranja-, que sirviese para abastecer al creciente número de esclavos africanos. Con el tiempo, el árbol de la yaca se ha extendido por grandes áreas del territorio brasileño y ha llegado a desplazar la flora autóctona en algunos bosques del país.

En Sevilla, Maria Thereza Alves escogió un lugar muy específico para instalar estas dos obras. Las situó en el jardín, al pie del centenario ombú que, según cuenta la tradición, fue plantado por Hernando Colón, hijo del legendario navegante y uno de los primeros traficantes de esclavos africanos hacia América. El simbolismo de este gesto adquiere especial relevancia, si consideramos la trayectoria de Alves en su conjunto. Pocos lugares como la isla de la Cartuja son capaces de propiciar una relación tan estrecha y estimulante con su obra, basada en buena medida en la interacción entre el colonialismo y la ecología.

Interactivo · Cuento para Ombú

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PALOMA GÁMEZ
Violeta, 2012

Intervención. Vinilo sobre cristal
Medidas variables
LUCERNARIO DE LA BIBLIOTECA

Esta intervención en el lucernario de la biblioteca del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo fue realizada con motivo de su exposición Violeta (2012). Remitía directamente a otras dos series: Verde y Rojo, que, con un lenguaje abstracto, y a través de una meticulosa investigación sobre el color y el espacio, Paloma Gámez (Bailén, Jaén, 1964) ha desarrollado en los últimos años.

Las ideas de repetición y seriación son una constante en sus obras. Éstas son autorreferenciales, es decir, se construyen a partir de otras anteriores, generando sistemas en los que todas las piezas están relacionadas. Otra de sus características es el empleo del espacio arquitectónico para involucrar al espectador en una experiencia sensorial a través de la luz y el color.

Su interés por los procesos de abstracción está implícito en toda su trayectoria; en sus procedimientos, en la materialización de las piezas y en el uso del color, despojado de su aspecto simbólico en favor de su capacidad sensorial. El resultado no tiene un carácter narrativo, sino que es un medio de reflexión, experimentación y conocimiento, en este caso de un lugar de acumulación del saber.

Así, de la misma manera que las vallas publicitarias atraen la atención sobre los productos ofertados al público entendido como consumidor, la descontextualización de estas arquitecturas trasladadas a la imagen potencian el extrañamiento de un paisaje hoy cada vez más habitual.

Horario de biblioteca: lunes a viernes de 9:00 a 14:00 horas.

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JESSICA DIAMOND
Being Necessitates Faith In Paper (#2), 1989 – 2011
Existir implica tener fe en el papel (nº2)

Is That All There Is?, 1984 – 2010
¿Es eso todo lo que hay?

Money Having Sex, 1988
El dinero teniendo sexo

Pinturas acrílicas sobre muro
Medidas variables
PATIO DE PRIORAL – PATIO DEL PADRE NUESTRO

Conocida internacionalmente por sus irónicos e incisivos textos pintados directamente sobre la pared, su sensibilidad fue forjada en los años 80, cuando la pintura estaba siendo cuestionada.

Jessica Diamond (Nueva York, 1957) mantiene desde entonces un sorprendente y sincero sentido de la identidad, utilizando el lenguaje como base de unos trabajos caracterizados por su actitud crítica y satírica hacia la simbología de la cultura popular propia del capitalismo tardío.

Sus notas, furiosas y rápidas, reivindican sin caer en lo nostálgico el abandono y la autoprotección mediante un personalísimo código. Su mensaje, arraigado en las estrategias de la América del Norte empresarial, es siempre enérgico y directo. Pero su obra dista mucho de las intenciones de los eslóganes publicitarios, por lo que debemos interpretarla sin olvidar su lado complejo, sutil y contemplativo.

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PRISCILLA MONGE
What is Real?, 2004
¿Qué es lo real?

Instalación. Ladrillos de cerámica
30 x 800 cm. (ladrillos de 3,2 x 2 cm. c/u)
CLAUSTRÓN NORTE

Priscilla Monge (San José, Costa Rica, 1968) realizó esta intervención en el marco de la I Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla específicamente para el lugar donde permanece, una de las huertas de los monjes del Monasterio de La Cartuja.

What is Real? consiste en un pequeño muro de ladrillos de cerámica en miniatura que, meticulosamente construido, atraviesa toda la huerta. La autora lo ha situado intencionadamente delante de la morera que ocupa el centro del patio con la pretensión de, provocado por la desigual relación entre ambas escalas, crear el desconcierto en el visitante.

Con ello, y sin perder de vista el título de la obra, la artista cuestiona nuestra perspectiva de la realidad; la pared tiene la altura de un libro, es fácil de saltar pero al mismo tiempo constituye una barrera. Así, esos minúsculos ladrillos nos parecen de repente grandes, gigantescos, y luego otra vez pequeños, como si tuviésemos que transportarnos de nuevo a la perspectiva de un niño que juega en el suelo. Grande o pequeña, en ambos casos la pared no es más desproporcionada que nuestra relación sensitivo-corporal con ella.

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IBON ARANBERRI
Found Dead, 2007 - 2011
Hallado muerto

Bloques labrados de piedra arenisca y réplicas huecas de DM
Dimensiones variables
ARCO DE SAN MIGUEL

Found Dead surge como una extensión de las líneas de trabajo que bajo formatos y medios múltiples el artista Ibon Aranberri (Deva, Guipúzcoa, 1969) ha desarrollado en los últimos años. A diferencia de otros episodios de su trayectoria en los que la sala de exposiciones sugería un espacio de consulta, aquí, el ejercicio de la exposición adopta su propio arquetipo, configurándose como un objeto en sí mismo, una construcción autónoma que regresa al formalismo de la escultura.

En este caso, lo escultórico acaba condensándose en una entidad opaca; los orígenes que la han inspirado quedan anulados en un simulacro formal con la resonancia de su propia definición académica. Así, se escenifica la irreversibilidad entre una funcionalidad simbólico-transmisora de la escultura clásica y el hermetismo autoreferencial de la escultura abstracta, paradigmática de la tradición Moderna. Found Dead es una forma muerta, una negación de la posibilidad narradora.

Es una actitud común en el trabajo de Ibon Aranberri delimitar su referencialidad en un contexto doméstico. Aquí, el resultado es consecuencia de un efecto colateral, un encuentro imprevisto de una aproximación in-situ, dentro de una mecánica de "trabajo de campo" enfocado a otros objetivos. Un monolito repetido que aparece varias veces como un accidente en el camino.

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OLAF NICOLAI
Cortina de perlas negras, 2004

Instalación. Perlas de plástico negro, hilo de algodón
Medidas variables
PABELLÓN DE SANTA JUSTA Y RUFINA

Desde 1997 el artista Olaf Nicolai (Halle/Saale, Alemania, 1962) ha desarrollado una amplia variedad de proyectos interdisciplinarios. Las fronteras entre arte y ciencia, espacio público y privado, o individuo y sociedad están, a modo de hilo conductor, presentes de una forma u otra en toda su ya dilatada trayectoria.

Cortina de perlas negras fue realizada para la I Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla, siendo el propio artista quien eligió para su emplazamiento el Pabellón de las Santas Justa y Rufina, también conocido como Pabellón de Pickman. Un edificio abierto en la planta baja, con ventanales en la primera y un mirador en su remate.

Con su obra Nicolai se planteó cerrar todos los vanos mediante cortinas de abalorios de plástico negro. De esta forma crea un decorado que divide el espacio y un objeto que regula sutilmente tanto el acceso como las miradas, y que nos sitúa tanto en los límites de lo público y lo privado como en los de la inclusión y la exclusión. Siendo ésto no sólo característico de la situación arquitectónica de Sevilla, sino también de su contexto geopolítico.

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