No lo llames performance/Don’t call it Performance

´Odiábamos la palabra “performance”. No podíamos, no queríamos llamar a lo que hacíamos “performance”… porque el performance tenía su lugar, y ese lugar era por tradición el teatro, un lugar al que acudías como cuando ibas a un museo.´
								Vito Acconci

Las palabras de Vito Acconci reflejan certeramente la promiscuidad, ambigüedad e indefinición que aún hoy -casi cuarenta años después- existe en torno al término performance, como también su marcado carácter anti-institucional. Tan pronto denominado acción, evento, actuación, arte corporal, como acontecimiento, pieza, fluxus o happening, básicamente podemos definir el performance como un arte interdisciplinario que busca (aunque no necesariamente) la participación activa del espectador. 	

La influencia que ha venido ejerciendo desde entonces se deja notar en las manifestaciones artísticas más recientes dentro del campo del vídeo, la instalación, la escultura, la fotografía, la pintura o, incluso, el arte cibernético. Sorprendentemente, ni la Historia del arte ni las instituciones museísticas han sabido o querido hasta ahora recoger este imprescindible  testimonio, muy diferente de lo acontecido con, por ejemplo, el minimalismo o el arte conceptual, cuyo reconocimiento ha sido unánime. 

Aceptando entonces el papel pivotal que ha desempeñado el performance y las prácticas afines de los años 60 y 70, el ciclo No lo llames performance/Don’t call it Performance reflexiona acerca de su renovado interés, que se manifiesta en lo que se ha dado en llamar naturaleza performativa. Mediante proyecciones y una decena de actuaciones en vivo analizamos, al hilo de la obra de una treintena de artistas, la vigencia de esa idiosincrasia performativa, que se despliega más allá de su propio campo hacia otras formas de arte, al tiempo que señalaremos algunas diferencias y similitudes entre el ayer y el hoy.
	
A la hora de analizar este concepto expandido del performance, debemos obligatoriamente remitirnos de manera breve al lingüista John L. Austin, que fue quien acuñó en el año 1961 el término “performativo” definiéndolo como “una manifestación lingüística que no sólo describe sino que también cambia el mundo creando situaciones nuevas”. Se trata, en definitiva, de una actividad que crea aquello que describe. Así, el consabido “Yo les declaro marido y mujer” sería un buen ejemplo por cuanto ejecuta una acción y describe un estado de ser nuevo. Desde entonces, esta noción lingüística se viene aplicando al contexto del arte y de la vida por cuanto explora actividades capaces de cambiar la realidad existente. Por otro lado,  recientemente tanto las teorías homosexuales y lesbianas han acudido a lo performativo a la hora de interpretar los discursos relacionados con el sexo y el género, como la cultura cibernética.
	
Si el teatro es la forma artística performativa por excelencia, también lo “teatral” y la “teatralidad” entran aquí en juego. Para muchos artistas y críticos el performance no sólo comparte el hecho de estar ante y con una audiencia, sino que también se ha acercado al teatro a través de los conciertos fluxus y los happenings. En este mismo sentido, hemos de referirnos por fuerza al entre tanto clásico artículo de Michael Fried en el que manifiesta que “El arte [se refería al minimalismo] degenera a medida que adquiere rasgos teatrales”, siendo lo “teatral” según Fried, “lo que se encuentra entre las artes [entre la pintura y la escultura]”, como también “la preocupación por el tiempo o, más precisamente, por la duración de la experiencia”. ¡Qué duda cabe que el performance fue quien más experimentó con la interdisciplinariedad y la temporalidad!   
	
Una vez delimitado el marco conceptual, en No lo llames performance/Don’t call it Performance se recoge una serie de acciones, eventos, esculturas, vídeos e instalaciones que, en su mayoría, son de naturaleza performativa o que retoman y exploran elementos y estrategias del performance clásico. Pero, ¿en qué se diferencian o se parecen las obras actuales a las de entonces? De manera esquemática podemos señalar los siguientes rasgos: 1) el artista actual trabaja con el firme deseo de hacer un arte público, esto es, con público o en espacios públicos 2) la acción tiene un carácter “portátil” y puede ser reproducida en diferentes entornos y ante públicos diferentes 3) el tono de la obra ha adquirido hoy un carácter más íntimo, personal y también más desenfadado 4) ya no hay ningún tipo de jerarquía entre la acción y su registro 5) se favorece una producción abundante de información escrita, grabada o fotografiada 6) el “remake” de ciertos performances históricos trasciende la mera reproducción de la acción original para convertirse en una forma de arte nueva 7) al igual que ayer continúa preconizando un espíritu crítico con la sociedad 8) sigue siendo la única disciplina dentro de las artes visuales que ofrece un arte directo, vivo, espontáneo y sin intermediarios.
	
A pesar de no haber gozado del interés de los medios ni las instituciones, el performance ha renacido con fuerza. Tal vez, y para ser más justos, deberíamos decir que en realidad nunca nos abandonó, sentando mediante su naturaleza performativa las bases para disciplinas nuevas –el vídeo, la (vídeo)instalación, el arte cibernético- e infiltrándose en otras –la escultura, la fotografía, la pintura- y renovando sus cimientos. Así mismo, tampoco deberíamos olvidar su destacado papel en cuestiones relacionadas con el género, el sexo y la raza, y, dentro de éste, el de las mujeres artistas.
	
El cuerpo sigue siendo para el artista el material más moldeable y accesible, capaz de generar de manera inmediata discursos críticos acerca de la política y vida cotidianas. En nuestro contexto posmoderno, éste se mueve entre una estética intencionadamente low-tech de los años 60 y 70 y unos ambientes cibernéticos en los que confluyen ordenadores, micrófonos, monitores de vídeo y presencia en directo. Tal vez en el futuro lo performativo se manifieste en la mezcla de “lo real” y “lo virtual” borrando para siempre esa tan directa y deseada “experiencia de primera mano”. 

									Paco Barragán