MÁS O MENOS CINE. CICLO DE PROYECCIONES. |
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Fecha: Martes,
del 15 de Abril al 27 de Mayo de 2008 (excepto 29 de abril y 20
de mayo)
Martes, 15 de abril
de 2008.
Martes, 22 de abril
de 2008.
Martes, 6 de mayo
de 2008.
Martes, 13 de mayo
de 2008.
Martes, 27 de mayo
de 2008.
Travelling Amazonia, 2006. Marine Hugonnier.
En esta cinta, rodada en la Autopista Transamazónica -una vía de más de 9.500 km-, Marine Hugonier intenta trazar un paralelismo entre el contenido del film y el proyecto emprendido por la dictadura militar en 1970. Utilizando la técnica del travelling shot, Marine Hugonnier recrea la ilusión de aquel proyecto utópico trasladando al espectador hasta el mismo corazón de la Selva del Amazonas y mostrándole la ilusión de Brasil por convertirse en "el país del futuro". Un videoensayo sobre la hegemonía de los productos de consumo a ambos lados de los conflictos que asolan el planeta. Un montaje de material procedente de fuentes gubernamentales y grabaciones de aficionados y periodistas gráficos sirve para demostrar que los ejércitos no son los únicos que han penetrado en Irak y Afganistán; también lo han hecho las barritas Mars, los coches Toyota, los relojes Casio... Las imágenes de los corresponsales de guerra sirven de forma accidental para situar esos productos de consumo.
La película analiza la profunda transformación urbanística que está experimentando la región de las Tres Gargantas en China por la construcción de la presa hidráulica más grande del mundo. El concepto de "zona de dilución inicial", utilizado en ingeniería para definir el perímetro de un curso de agua contaminada por los residuos que posteriormente se diluye de forma gradual en la corriente general, ilustra la actual situación de esta región en la que muchas costumbres y actividades tradicionales están siendo sacrificadas en nombre del progreso.
El suelo está hecho de cartón. Las losas forman el suelo. La silla es una silla. La realidad vuelve sobre sí misma. Florian Gwinner construye un modelo de mundo en el que la realidad y su modelo son uno. Empezando en un horizonte blanco, la cámara retrocede lentamente en línea recta. A su paso, recorre los primeros indicios de existencia humana. Poco a poco aparecen una iglesia, casas, coches, las calles que se ensanchan y los rascacielos de la ciudad. A pesar de un modelo de arquitectura urbana impresionante en sí mismo, la autentica fascinación del video de Gwinner reside en el paradójico uso de la materia. En las afueras de la ciudad, Gwinner subraya los detalles. Conforme aparece la ciudad y los edificios van ganando en altitud, Gwinner va añadiendo elementos de forma descuidada. Pajitas de plástico, cartones de huevos y cajas. La vida urbana está hecha de material de desecho. Y luego, de una manera que se antoja lógica a la vista pero que resulta asombrosa para la mente, el viaje a través de esta anónima urbe termina a los pies del espectador, bajo la silla de su habitación.
Hunting Grounds se centra en las técnicas sociales utilizadas para escenificar/gestionar la presentación de la imagen de una persona -en esta ocasión, las técnicas empleadas por la aristocracia. Rodada en un castillo en Westfalia y en una campiña colindante, la película, cuya composición cuida los más pequeños detalles, traza un relato confuso. El artista representa el papel principal en las escenas, que alternan entre una cena y una situación de caza. Los diversos cortes siempre conllevan dobles significados: la cena es real aunque al mismo tiempo se trata de una representación, hay miembros de una familia aristocrática mezclados con actores camuflados, y un artista que realiza una puesta en escena en la que él mismo forma parte de un grupo de caza, interpretando tanto al cazador como al perseguido. En el material del filme, los arreglos artificiales y la perspectiva documental se entremezclan de tal manera que resulta imposible desligar los dos aspectos. Las imágenes basadas en modelos visuales existentes funcionan como una cortina transparente, que también revela el esquema total de referencias incorporadas a los elementos reiterados. Sin embargo, esto no significa que no exista un lado críptico en el proceso pastiche de Schmidt. El espectro de poses, la ambigüedad de los hechos y la artificialidad enfática de lo que se describe provocan una sensación de temor, evocando la condición de lo asombroso.
Este filme de Von Wedemeyer y Schweizer ayuda a comprender el crecimiento de las megas ciudades chinas, pero también plantea las consecuencias de la modernidad, el desarrollo y el progreso a cualquier precio. La película propicia la convergencia de dos mitos: el totalitarismo moderno descrito en la película Metropolis de Fritz Lang y la China moderna, cuyo asombroso crecimiento se ha convertido en tema de acalorados debates en Occidente. Se trata al mismo tiempo de una potente metáfora sobre la visión de futuro y sobre los enredos culturales e ideológicos que tienen lugar en la nueva realidad global.
Un día dos mujeres de más de sesenta años se encuentran inesperadamente en la peluquería. Maya reconoce a Charlotte y Charlotte reconoce a Maya. Pero Maya dice: "Nosotras no nos conocemos". El inesperado encuentro desconcierta a ambas. Los recuerdos de su juventud se despiertan y sentimientos olvidados empiezan a resurgir.
Suicide es una ficción protagonizada por la propia Silver: encarna a una cineasta que recorre grandes superficies, aeropuertos y estaciones de Asia, Europa y América Central. En forma de diario filmado y narrado en primera persona, nos ofrece una crónica de su búsqueda desesperada de una razón para seguir viviendo. "Es una película sobre viajes, cine y culturas extranjeras. Al hacerla pensé mucho en Sans soleil, la brillante y problemática película de Chris Marker [...] Pero en Suicide no hay un monólogo lleno de autoridad que enmascare el deseo de la cineasta" (S. Silver).
El concepto de camuflaje ha calado en casi todas las actividades sociales humanas. Los humanos utilizamos las diversas marcas como una segunda piel, para integrarnos en el grupo social de la "sabana" al que queremos pertenecer; los productos que usamos no proyectan lo que somos, proyectan lo que queremos ser o tan sólo parecer. El poliespan, el Photoshop y la cirugía estética han convertido nuestro entorno en un parque temático en el que los objetos, los mensajes y los cuerpos son falsos. Actualmente la estética militar se extiende por todo el cuerpo social. Las grandes cadenas de ropa nos ofrecen vestuario del día a día, para ir al colegio o al trabajo camuflados; las viviendas de las nuevas urbanizaciones adquieren la presencia de búnkeres inabordables al estilo de los kibutzs de los "territorios ocupados"; hasta los vehículos se han contagiado de la estética del blindaje de las naves de guerra del imperio. Con la militarización total de todas nuestras fronteras, implantada con la excusa de la seguridad, todos nos preparamos para una movilización general. No sabemos ni cuándo ni dónde surgirá el conflicto, pero tenemos que estar preparados. En Thanksgiving Turkey, un general arenga a sus tropas. Siguiendo sus precisas instrucciones, los soldados conquistarán a sus invitados, durante una cena memorable, con una deliciosa y magistral receta del "Pavo de acción de Gracias".
Lonely Planet se sirve de la figura de un ambicioso mochilero (interpretado por el propio Julian Rosefeldt) en un viaje por la India, para cuestionar el modo en que se forman las imágenes y los clichés. Su periplo le lleva desde escenarios romantizados hasta los suburbios de Bombay. Y es allí donde la escena vira repentinamente desde una narración ficticia hasta la realidad de una puesta en escena fílmica: el turista aparece como un performer entre cámaras y focos, la sucia metrópolis abre paso a la atmósfera artificial e ilusoria del decorado. Una supuesta India auténtica revierte al reino de Bollywood, culminando con el interfaz musical de la película. Finalmente, en este meta-nivel, tópicos indios corrientes como el caos, lo kitsch y los locutorios se desvanecen bajo una coreografía surrealista. La instalación se realizó por encargo de la Bienal de Bonn y se llevó a cabo como una co-producción entre Max Wigram, Londres, Arndt & Partner, Berlín/Zurich, el Goethe-Institute de Nueva Delhi y el Festival Lille 3000.
Folklore conforma una serie de 'vídeos informativos' sobre España que nos muestran "eventos de importancia relativa que suelen permanecer en la memoria del pueblo pero no en las enciclopedias". Estos vídeos han sido realizados en el extranjero, narrados en inglés por una española con acento, y subtitulados en castellano. Con Folklore, Patricia Esquivias recalca "la relación intrínseca entre la Historia y las historias de un país. Narrar uniendo chisme e Historia partiendo de temas aparentemente banales que funcionan como acceso a temas abstractos", y nos invita a "retomar eventos perdidos en nuestra memoria" y a "actualizar su importancia". Los hechos escogidos para la realización de los vídeos son "situaciones concretas que representan la esencia de España. Eventos tan embebidos en el imaginario cotidiano español que resulta imposible no describir España a través de ellos". Para dar forma al proyecto, la artista investiga y utiliza como herramientas su memoria, la de los que le rodean e Internet. "De esta manera", asegura, "recopilo datos que paso a notas. Sin guión, solamente con ayuda de las notas, relato para la cámara la historia, hilada con estos datos. Finalmente, en la edición ilustro el vídeo con imágenes sacadas de Internet".
On Translation: Fear/ Miedo es un proyecto de intervención televisiva que, a partir de la producción de un trabajo de vídeo que recopila entrevistas a personas que viven diariamente las tensiones de la zona fronteriza entre México y los Estados Unidos, reúne imágenes televisivas de archivo que refieren a la idea de miedo en esta franja, así como otros materiales documentales y periodísticos. El vídeo pretende poner de manifiesto que el miedo es una emoción que se traduce desde muy diferentes perspectivas a uno y otro lado de la frontera, según un armazón cultural/sociológico basado en la política y en la economía. On Translation: Fear/Miedo se creó para ser retransmitido entre agosto y noviembre de 2005 en cuatro localizaciones que, de algún modo, conectan los centros de toma de poder y decisiones con lugares en cuyo día a día se hacen ostensibles sus políticas: Tijuana, San Diego, Ciudad de México y Washington D.C.
Walking After Acconci (Redirected Approaches) hace alusión a un trabajo de vídeo realizado en 1973 por el artista performer Vito Acconci. En él, Acconci recorre un pasillo, hablando a una ex amante ausente. Forsyth y Pollard trabajaron duramente (679 grabaciones) con Plan B, un joven MC de lengua afilada, para actualizar el guión y volver a filmar el vídeo adoptando explícitamente el estilo y la estética de los actuales vídeos de música urbana. La pieza se filmó con una sola cámara estática, en una toma única de 24 minutos. Después, Iain y Jane llevaron el material a Rushes para trabajar con el colorista Marcus Timpson en las modificaciones de aspecto de la imagen, y conseguir el estilo de un vídeo de música urbana contemporáneo.
El italiano Francesco Jodice, artista residente en la 27 edición de la Bienal de São Paulo, describe en City Tellers las tácticas de supervivencia a las que recurren algunos habitantes de esta populosa megalópolis latinoamericana: desde un adolescente seguidor de Bola de Neve (culto post-evangélico fundado por un surfero adicto a la heroína) hasta un piloto de helicóptero que hace 23.000 viajes a la semana sobrevolando las peligrosas calles de la ciudad, pasando por un hombre que de día es policía del Estado y por la noche trabaja como guardia de seguridad privado o un "carroceiro" que recoge basura de las calles para reciclarla. |
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